« Maurice Roche, disparu en 1997, était un ami très cher, depuis 1972 (l’année de mes vingt ans et de mes premiers concerts publics). J’ai mis en musique ses textes (mon premier opéra de chambre, Le Baigneur, que j’ai créé en 1982 avec Michel Hermon, est adapté d’un de ses livres, Opéra Bouffe), échangé avec lui beaucoup d’émotions, de pensées, de musiques. Il aimait mon piano, s’intéressait de très près à toute la nouvelle musique : il avait lui-même en effet suivi des études de composition au Conservatoire de Paris et commencé une carrière
musicale (il a ainsi composé la musique de la création des Epiphanies de Pichette avec Gérard
Philipe et Maria Casarès). La musique restera tout au long de sa vie une part essentielle de ses préoccupations, au point qu’elle est je crois constitutive de sa création littéraire. Il était
également passionné de Monteverdi et de tous les prébaroques, ce qui a contribué également à nous rapprocher.
J’ai été très touché par son livre ultime, Un petit rien-du-tout tout neuf plié dans une feuille de persil publié chez Gallimard. Ce monologue de l’écrivain en fin de vie se remémorant l’enfant qu’il fut est sans doute son texte le plus accessible, le plus émotionnel. Il est à la fois drôle et touchant, profond et diabolique, comme l’était Maurice.

Je l’ai adapté pour la scène, sous forme d’un monologue accompagné en musique, comme un mélodrame moderne, un petit « opéra » récité accompagné par un piano : cette forme
piano/voix, que j’ai déjà expérimentée avec un autre de ses textes (Portrait de l’Artiste, avec Caroline Gautier, donné à Genève et à Paris) est je crois bien adaptée à son univers. Il me semble en effet que le piano est inscrit perpétuellement en filigrane dans ses livres, et que le mélodrame, où la voix est constamment guidée par la musique, permet au spectateur de plonger dans l’intimité de son écriture. L’enfance pour Roche est un lieu de vérité absolue : on a l’impression à l’entendre qu’il n’a jamais été aussi intelligent, perspicace, lucide sur la condition humaine, que quand il était enfant. Et cela est écrit avec une telle élégance que tout le monde peut se sentir touché par ce témoignage et se reconnaître dans cette vision caustique de notre destinée.
Nous avons souvent eu le désir de porter ses textes en scène, lui disant, moi jouant le piano. Ayant eu la fâcheuse idée de trépasser, il ne m’en voudra pas de prolonger sa voix par celle de la belle actrice Irina Dalle et de dédier cette performance à notre longue amitié. »

DENIS LEVAILLANT

Le Figaro - 26 Mars 2006

Denis Levaillant qui a toujours été le compagnon d’aventures théâtrales ou chorégraphiques était un ami de Maurice Roche et il y a dans ce spectacle bref, délicat, tout le pouvoir de l’affection, de l’admiration.
La belle et mobile Irina Dalle a la malice qui convient à Maurice Roche, cette sentimentalité moqueuse, cette gravité masquée sous les blagues.
Il est très beau, très touchant, très drôle, le texte de Roche. C’est un joli moment, élégant et fin, qui nous est offert, et ne le boudons pas.
Armelle Hélio

Elle - 20 Mars 2006

Denis Levaillant a écrit une joyeuse marche macabre. Accompagné de la comédienne Irina Dalle, Levaillant scande, récite et chante ce « Poil de carotte » tendre et trash. Le duo pianiste-actrice est aussi poétique et violent que le dialogue du récitant et de l’orchestre dans l’Histoire du soldat de Stravinsky. Une belle façon de redonner vie au gamin souffreteux, musicien et écrivain, né le jour des Morts en 1924. Une belle façon aussi d’interroger la mécanique du souvenir et de se replonger dans l’enfance, la vraie, celle des angoisses et des émerveillements, de la honte et des désirs.
Sandra Bash

Impact Medecine

Ce spectacle est d’une fraîcheur, d’une tendresse, et d’une fantaisie moulées sur Irina Dalle. Cette comédienne, chanteuse, mime, danseuse, est la grâce en personne. En duo avec le compositeur et pianiste Denis Levaillant, elle incarne la précarité de l’enfance de l’écrivain Maurice Roche, sa candeur, son insolence, sa fantaisie. Au piano, Denis Levaillant lui donne une réplique piquante et grave. Tous les trois nous emmènent dans les sortilègesde l’enfance. Cela dure une heure et l’on voudrait que cela ne se termine jamais.

Témoignage de l’écrivain Salim Jay

J’ai quelque chose à dire au sujet de cette oeuvre qui est un peu difficile à avouer : par mes goûts de spectateur aussi bien que de lecteur, c’est le plus heureux spectacle que j’aie vu de ma vie !
La pesanteur subit une défaite et la grâce craint de prendre des gifles; mais non ! Le rire n’est pas sournois. Toute perfidie soudain déprogrammée, voici la musique d’être au monde jouée selon la fantaisie d’un mioche, et ses stupeurs récitées comme se déplie un tapis d’oxymores. Entre le vieil homme putatif et l’enfant devenu chimérique, sur la toile où règne Maurice Roche, le spectacle sonore composé et joué par Denis Levaillant accueille une danseuse aux mouvements de calligraphe : Irina Dalle.
Comme le sens est plusieurs, comme la mémoire est une façon d’oublier un pan ou l’autre, le spectacle fait fuser du souvenir et du disparaître, du visible et de l’insu, d’anciens dégoûts et de nouvelles menaces, immémoriales, à vous rendre mariole.
Et pourtant ça musique, de facétie qui sifflote en silence qui submerge. Toute la joie de vivre dans un brin de persil ? Mâcher, est-ce bien la solution ? Une chimie d’affects et d’événements réinvente le passage sur la terre comme condensé dansable, indansable. La personnalité de Maurice Roche a trouvé en Denis Levaillant un interprète qui y met du sien avec la loyauté d’un complice aux mains expertes. En quoi ? C’est bien la question.

Cette création avait au premier abord l'allure d'un défi : comment écrire une musique symphonique d'une soirée entière qui ne soit pas une redite de ce qu'ont déjà fait Delibes, Tchaïkovski ou Adam au XIXe siècle, mais bien ma vision de la musique de ballet aujourd'hui ? M'emparer de l'histoire par l'imaginaire, telle a été ma réponse. La musique est pour moi le langage des passions et de l'inconscient. Le sujet de Martine Kahane et le traitement que souhaitait en faire Patrice Bart m'ont tout de suite convaincu que je pouvais aller dans cette direction.

J'ai déjà écrit une dixaine de musiques pour des chorégraphes contemporains et je connais bien la danse pour l'avoir pratiquée et accompagnée au piano, mais cette collaboration avec le Ballet de l'Opéra de Paris est ma première commande pour un ballet classique. Ce qui m'importait avant tout était de faire une oeuvre accessible au grand public. J'aime raconter des histoires aux gens, leur offrir un cadre d'écoute qui les attire et leur permette de s'ouvrir à l'inconnu. Je voulais faire résonner le «rêve d'Etoile » de La Petite danseuse, un peu comme un opéra sans voix où la musique traduirait les pulsions de l'héroïne. Mon intention n'était pas non plus d'être fidèle au récit historique, mais de lui donner une forme contemporaine : faire un conte moderne à partir d'une histoire ancienne.

Contrairement à ce qui se fait habituellement, il a fallu écrire un scénario pour ensuite commencer la composition de la musique. La trame narrative du sujet est forte et il était indispensable de se mettre d'abord « à la table » , comme au théâtre, pour découper chaque scène. C'est l'écrivain et scénariste Orlando de Rudder qui s'est chargé de ce travail préparatoire. Cela m'a beaucoup aidé, car j'ai pu ainsi composer ma musique autour d'une structure précise et lisible. L'idée n'était pas de donner un profil psychologique aux personnages, mais plutôt de définir des situations. C'est ce que je nomme mes « tropismes » : pour moi la musique ne naît pas des images, mais des relations humaines, des rapports de l'homme au monde, des situations dramatiques à travers lesquelles je me projette. J'ai toujours procédé de cette manière au théâtre, en m'appuyant sur une lecture dramaturgique en amont de la mise en scène (et je pourrais en faire de même pour une musique de film). Par exemple, il me semblait évident depuis le début que la musique de la scène de « l'Atelier » devait être très lente, comme « gelée », figurant ainsi la fascination morbide de la Petite danseuse pour sa statue. Le personnage de la Mère, sorte de marâtre, devait provoquer une sensation d'inquiétude tout au long de la partition, ce qui explique cette rythmique asymétrique et ces couleurs crues, étranges, que l'on entend dans les scènes où la Mère apparaît comme celle qui interdit tout rêve à sa fille.

La musique est ici en position de « caméra subjective ». On entend ce qu'imagine la Petite danseuse, on écoute sa rêverie, on la perçoit, et, je l'espère, on la ressent et on la comprend. Pour arriver à cela, je me suis presque transformé en « Petite danseuse» pendant un an ! Toutes les situations de la partition sont imaginaires, la classe de danse, le grand bal à l'Opéra et même, la prison. Le rêve est permanent, avec ce que cela implique comme contractions ou étirements du temps, prémonitions, transpositions et réminiscences.

C'est dans cet esprit que j'ai composé une grande valse, une rythmique implacable de cours de danse, une musique de cabaret et de grandes mélodies de pas de deux, en gardant toujours la couleur de ma musique et en appliquant des techniques proches du cinéma (montage « cut », mixage de couleurs très différentes, flash-back, déplacement, inversion, etc.). On peut entendre, d'un bout à l'autre de l'oeuvre, le résultat d'un travail intense sur l'harmonie, sur la rythmique (souvent « jazzy»), sur la mélodie et sur la couleur de l'orchestre. J'ai choisi une formation de soixante musiciens, où les vents sont par deux, mais changent souvent d'instrument, et sont tous à tour de rôle « en dehors ». On entend ainsi des couleurs peu usitées, comme le hautbois d'amour (pour toutes les mélodies figurant le rêve d'être Etoile), le contrebasson, la trompette piccolo, la flûte alto, la clarinette basse, le saxophone ténor, ainsi qu'un accordéon qui se mélange à la fois aux cordes et aux bois.

Tous les solistes ont des moments privilégiés, du premier violon dans le pas de deux du premier acte au premier violoncelle dans le « ballet blanc » du second acte. Le trombone a des phrases importantes, le clarinettiste et le trompettiste ont des parties difficiles dans les scènes du « Chat noir», le timbalier est toujours très sollicité, ainsi que les claviers, le piano est concertant dans le bal et à la fin du ballet.

Il y a dans cette partition de 400 pages une grande variété de couleurs, souvent inédites pour ce type de formation symphonique.

En composant ainsi pour un « bois par deux » et en ayant le souci d'une forme lisible à la première écoute, avec une structure à la fois forte et cachée, je me situe dans une tradition, je crois, très française. Cette manière de penser la musique me va bien : structurée, ouvragée - quoique d'apparence facile -, et ouverte à une forme d'inconscient. De Rameau à Ravel, je vois comme le tronc d'un arbre à partir duquel j'ai greffé mes propres branches, ce langage rythmique et harmonique, que je suis allé puiser dans le jazz, l'improvisation, l'avant-garde américaine et les mélodies de toutes les musiques populaires. Réaliser cette synthèse dans le cadre d'un ballet classique aujourd'hui est assez excitant. C'est, pour moi, oeuvrer à une forme nouvelle de spectacle, où je propose non plus du « contemporain », mais une musique symphonique française aux couleurs de notre temps, s'adressant par ses mélodies mémorisables à un large public.

Denis Levaillant
propos recueillis par Laure Guilbert, Mai 2003

Zapper du dernier message en morse des navires US à Pearl Harbour à la présentation de la première cocotte-minute au concours Lépine, c'est la mémoire de la radio, du direct, de l'instant d'émotion partagé autour du «poste» , qu'évoque de façon romanesque Denis Levaillant, cet écrivain de musique. Dans Eloge de la radio, la musique parle, évoque, absorbe le monde et le raconte. Comme en « scratchant » d'une station à l'autre, le spectateur/auditeur traverse le pays de l'étrange, de l'exploit, du rythme et de l'espace...De voyage en voyage, la musique, naïve et raffinée, glisse de façon enjouée de l'écriture orchestrale aux archives radiophoniques. Elle absorbe le son, revient à la note, mélange l'écoute. Mais surtout, elle intègre habilement sur scène deux solistes exceptionnels, des bruiteurs de la radio. Ces illusionnistes nous livrent alors à partir d'objets anodins les secrets d'un monde sonore enchanté qui se construit peu à peu sous nos yeux
Benoît Thiebergien

TELERAMA
« La relation d'intimité que chacun entretient avec la radio devrait assurer à cette oeuvre et à son auteur, peu soucieux de l'esprit de chapelle, la reconnaissance d'un large public »

DIAPASON
« Eloge de la radio est un spectacle réussi, populaire bien qu'il soit sophistiqué. C'est bien rare... »

WEBCITY (www.webcity.fr)
« Denis Levaillant a manifestement cherché à se faire plaisir en composant son Eloge de la radio . Un pari réussi si l'on juge le plaisir qu'apporte ce véritable spectacle. Un beau moment de musique, plein de trouvailles, d'humilité et d'intelligence »

DAUPHINE LIBERE
«L'univers romanesque à souhait et pimenté d'humour de Denis Levaillant mêle adroitement extraits d'archives radiophoniques et couleurs instrumentales aussi simples que raffinées ; le tout forme un ensemble allègre et saisissant qui entraîne le public dans un savoureux moment »

MONDOMIX
« Annoncée comme un conte musical, l'affaire évoque un dessin animé radiophonique. Plus influencée par Tex Avery que par South park, évoquant davantage la TSF que NRJ, la pièce est légèrement nostalgique du futur. Les souvenirs de l'ORTF, de la BBC ou d'ailleurs font bon ménage avec les boogies déstructurés et les sonates hyperharmoniques. Ce soir les ondes radiophoniques décidément provoquent le plaisir »

Un pianiste et un magicien acoquinés, l'idée peut paraître formelle, une façon de mettre en scène un récital, d'aguicher le public en lui promettant qu'à défaut d'entendre, il aura quelque chose à voir. Le dernier spectacle de Denis Levaillant, fort heureusement, dissipe la crainte. Piano circus est une fable du pianiste, le pianiste aux prises avec son répertoire. Aux prises avec ses angoisses (abîmer ses doigts), avec ses craintes (jouer pire qu'avec ses pieds). Tout ça pour créer, à sa manière, une illusion, une magie : faire surgir des sons, agencés, compliqués, jouant avec les pédales, abusant de la perception auditive de ses spectateurs, en complicité avec le compositeur. Toute cette matière plutôt subtile, c'est le cadre de Piano circus. Un cadre familier à Denis Levaillant qui depuis toujours parle de son piano, de ses dieux (Liszt, ses octaves et ses arpèges), de son enchaînement. Un cadre qu'il sait très bien traduire musicalement. D'une part avec sa science de l'électroacoustique, pour faire surgir un effet d'un haut-parleur, à la seconde près et parfaitement amplifié. D'autre part avec la musique qu'il interprète. Et là, c'est l'atout numéro 1 du spectacle. Car il y a deux façons d'aborder ces pensées intérieures du pianiste. La façon risible, celle de Bernard Haller ("ce piano, une casserole pour des patates !") ou bien la façon musicale, signée Denis Levaillant. Pas d'extrait de Beethoven, de jus de Chopin, mais des compositions personnelles tirant sur le Conlon Nancarrow par leur débit rapide, avec quelques tentations de séduction (un passage à la Keith Jarrett, plein d'ironie). Une belle audace que de faire entendre cette musique-là, sans compromis, un flot de notes.

Christian Leblé

Tout de suite : l'évidence. Denis Levaillant est un créateur. Avec un bon vieux piano, il tire des choses qui lui sont personnelles, tout en les ancrant profondément dans une histoire, une continuité avec un art de la possession, une sensualité inouïe, un geste pianistique extraordinaire.
Denis Levaillant caresse le piano, se love dans ses sonorités, dans des ondoiements superbes ou des agressions douces. Ses Douze mouvements pour piano solo sont autant d'éclats de la musique, construits chacun autour d'une idée. Etudes de résonance dans le creux du son. Préludes ouverts sur l'infini sculptés en pleine matière. Et toujours cet art de la possession, presque narcissique.
Une poésie pour l'an 2000

Changement de style. Piano et piano. L'un en direct. L'autre manipulé sur une bande par ordinateur. Confrontation encore narcissique et appropriation. Toujours ce toucher de l'instrument-miroir qui transporte l'auditeur le moins informé. De subtiles correspondances, avec une spatialisation des sons. Des trouvailles, comme ce piaillement d'aigus aux deux pianos. Des résonances, une dynamique, des grappes sonores, une poésie pour l'an 2000.
Changement de style. C'est fou comme Denis Levaillant s'approprie ce qui est le meilleur de ce qui existe. Du côté du jazz, cette fois-ci. Charlie Parker et beaucoup d'autres, pliés à sa volonté. Si, dans Piano-transit, la nécessaire coordination entre la machine - j'entends par là la bande qui défile à une vitesse déterminée - et l'instrument joué en direct limite la liberté de l'interprète, la pièce suivante pourrait durer l'éternité dans le sillage du jazz - car Denis Levaillant change de costume comme de musique - l'artiste laisse vagabonder son imagination et l'épanouit.
Possession de la musique. Possession de soi et des autres. Possession de la création. L'art de la possession.

Christian Goubault - Paris Normandie, 22 janvier 1989

Article du MONDE DE LA MUSIQUE - novembre 1986

Dans une mise en scène assez risquée de Christian Colin, Denis Levaillant (piano), Brigitte Vinson (mezzo-soprano) et le Quatuor Ami Flammer offrent une longue rêverie, parfois sublime, souvent inquiétante. Parcours très aride, car la diction et la densité particulières de ces courtes oeuvres scintillent d'une extrême pénétration. Ces pages où la sonorité s'appauvrit font place à une puissance radicale, impersonnelle, archaïque. Liszt expérimente le rythme pur, la monodie, l'effondrement de toute stabilité consonante. En filigrane, presque clandestinement, demeure l'éventail des nuances, dernière ruine d'une rhétorique autrefois grandiose, au verbe infiniment plus raisonneur.
L'approche de Denis Levaillant est d'une sobriété crispée, un peu hautaine, mais d'une rare maîtrise pianistique. Son plus grand mérite est de nous faire regarder en face l'espace d'un parcours, l'extraordinaire lumière surgie d'un néant que, plus que tout autre, Liszt combattait.

Patrick Szersnovicz

Le Baigneur

Opéra-bouffe sur un texte de Maurice Roche - 1976
Pour un chanteur, violoncelle solo, orchestre de chambre (cl + clb, sax S +T, 2 tp, tb, cor, tuba, 2 percs, alto, vlc, cb), quintette vocal (ssabb) et electroacoustique, 25'
Dédié à: Michel Hermon.

Création: le 20 janvier 1982 au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, par Michel Hermon, David Simpson et les solistes de l'Ensemble Musique Vivante sous la direction de Philippe Nahon.

Premier enregistrement: Delétré, Simpson, Nahon, CD Thésis THC82054.

Editeur: Durand et Cézame-Argile.

Piano check-up 1978

Spectacle musical pour un pianiste, un acteur et un saxophoniste - 60'.

Création: le compositeur en collaboration avec Laurent Fachard et Pierre Rigaud, Lucernaire, Paris.

Nouvelle version en duo avec un magicien, Abdul Alafrez , 1982.

LE MATIN - février 1983

Retour au théâtre de la cruauté.

Deux pièces à louer de Denis Levaillant a fait le plein à l'auditorium du musée d'Art moderne de Paris. Un succès trop rare de théâtre musical pour ne pas être salué.
Que fait, qu'éprouve un pianiste servant d'accompagnateur (et de double) à un illusionniste magicien ? Que fait, qu'imagine un chanteur dans le lieu clos d'une salle de bain, à la surface carrelée et réverbérante ? Ce sont là les thèmes des deux sketches (Piano check-up, Le Baigneur) qui, à coups de gags, composent cette action-partition. Théâtre et musique trouvent ici un assez bel équilibre. Les trois personnages principaux occupent remarquablement l'espace (Denis Levaillant lui-même au piano, Abdul Alafrez en illusionniste, Michel Hermon en chanteur) ; un véritable dialogue s'instaure entre les partenaires sur scène et une bande-son finement ciselée.

Brigitte Massin

OUEST FRANCE - juillet 1983

L'espace sonore multidimensionnel de Levaillant à travers les délires d'un bruiteur
"Inside", c'était sans conteste la création contemporaine la plus déroutante du week-end. Inédite dans sa forme, la composition de Denis Levaillant, pour bruiteur, violoncelle, trompette et bande, donne naissance à un genre nouveau, alliant le théâtre à la musique. Une sorte de théâtre moderne dans lequel l'acteur cumule le rôle de bruiteur. La chronologie s'ouvre sur un décor qui pourrait être le cadre traditionnel d'une chambre d'hôtel, dans laquelle arrive, chargé de deux valises, le fuyard (Louis Amiel) pathétique bruiteur qui tente désespérément de quitter le nom de la doublure. Il ne s'agit donc plus d'un bruiteur opérationnel, mais d'un homme dont les fantasmes lui viennent de son métier.
S'engage alors le délire d'un personnage qui, toute sa vie, fait du bruit pour les autres. Comprimé derrière le rideau des coulisses, il imagine des histoires qui mettent en relief l'espace sonore de toute la salle. C'est là le pouvoir magique du bruiteur qui peut artificiellement recréer toutes sortes de situations, même les plus terribles. Mais si le bruit et le son musical sont aujourd'hui bord à bord, la présence des musiciens, même déguisés, n'en est pas moins indispensables sur scène. La musique ne se truque pas, pauvre bruiteur.


A.V.

LES SAISONS DE LA DANSE - novembre 1982

Dominique Petit, danseur et chorégraphe, a choisi, pour camper son histoire, le thème de l'Amérique, urbaine, bruyante et tentaculaire, mais aussi terre de grands espaces, symbole de liberté et d'aventure. Avec le pianiste-comédien Denis Levaillant, il nous conte "les confessions nocturnes de deux voyous rêveurs. Les blues des chercheurs d'or". Tous deux s'inventent des histoires à dormir debout et se répondent, l'un par le geste, l'autre par la musique qu'il combine à des bruitages surprenants. Costume bleu scintillant et chaussures argent, Dominique Petit joue au dragueur, au gangster, au rock'n'roller, à l'artiste de music-hall qui fait des claquettes, sur une musique étrange qui mêle des cris d'oiseaux aux sifflements d'un train et au bruit d'un flipper.
Ce conte moderne qui s'exprime à travers la mythologie américaine est aussi un excellent prétexte chorégraphique. Le danseur s'exerce à toutes les formes de la marche et découvre toutes les combinaisons du mouvement en agençant les pas les plus imprévus. Il expérimente les effets de la vitesse et de l'arrêt. Il mêle des positions de karaté aux pliés et aux ronds de jambe du classique et aux acrobaties du gymnaste. Voici une création musclée et énergique, originale dans son procédé et attachante parce qu'elle fait participer, en un duo époustouflant, le danseur et le musicien.

Véronique Sédro

L'ARRANGEUR ARRANGE

Article du MONDE - 17 février 1981

A entendre Caroline Gautier dire la ballade de Lenau Der traurige Mönch (le moine triste) ou celle de Bürger avec un engagement si complet, si éloigné de cette approche au second degré à laquelle ont recours ceux qui n'osent plus se laisser aller aux excès romantiques, à recevoir de plein fouet le commentaire pianistique de Denis Levaillant, tantôt entre deux phrases, tantôt sous quelques vers, tantôt développé, tantôt réduit à quelques notes, on pouvait se croire reporté au dix-neuvième siècle, dans le clair-obscur d'un salon amical, le compositeur improvisant au piano. Toute la partie pianistique est écrite, et cependant il semble qu'elle ne l'est pas : peu de développements, mais au contraire une succession de gestes dramatiques toujours évocatifs. La récitation, en revanche, n'est pas fixée, et c'est à Caroline Gautier, chanteuse de formation, que revient le mérite d'avoir su modeler sa voix, calquant parfois ses inflexions sur la mélodie de l'accompagnement, de telle sorte que le poème reste compréhensible dans ses grandes lignes malgré la barrière de la langue (un résumé en est fait auparavant), grâce aux contours caractérisés de la ligne vocale.
Ce "voyage musical à partir de Franz Liszt" s'achève avec un extrait des variations Weinen Klagen sur le thème de Bach, comme il avait commencé sur un arrangement de Sunt lacrimae rerum. L'arrangeur arrangé, pourrait-on dire mais cette évocation, dont Michel Hermon a réalisé ce qu'il appelle une mise en images, compte tenu de l'exiguïté de la scène, mais qui pourrait bien être une mise en scène musicale (le pianiste est acteur à part entière), échappe si magistralement à la prétention et témoigne d'un engagement si évident des interprètes au sein de l'univers romantique, morbide et passionné, qu'ils tentent de faire revivre, que le spectacle et le propos intellectuel disparaissent derrière l'esprit retrouvé.

Gérard Condé

LIBÉRATION - 26 janvier 1978

Je suis resté ébahi, surpris, heureux d'entendre et de voir un spectacle musical comme il y en a trop peu.
La musique est magie, une note, une mélodie et la tête se plonge pour oublier l'instant d'avant sous la pluie glacée à se les geler. Denis Levaillant au piano et Pierre Rigaud aux saxophones font écouter la magie en nous la montrant : leur duo s'accompagne d'une belle dame et d'un beau monsieur qui, comme dans les cirques font sortir les balles de ping-pong de leur bouche sans qu'on sache comment ils ont bien pu en emmagasiner une dizaine. Ils jonglent, rattrapent, lancent, ratent, saluent et leur spectacle est musique qui s'accorde au piano et au sax ! La balle de ping-pong en retombant marquera le rythme. Parfois elle ira même sauter sur les cordes du piano s'ajoutant aux notes. Il n'y a pas d'un côté la musique et de l'autre jongleurs et magiciens. On écoute de la musique de gestes et de son. L'espace scénique devient musical.
Denis Levaillant, compositeur de la plupart des duos, nous trimballe dans un univers sonore qui n'est pas sans évoquer le pianiste Paul Bley, par son atmosphère à la fois classique, rigoureuse et complètement folle. Pourtant leur duo nous emporte toujours dans des créations tout à fait originales qui leur appartiennent totalement. Un dernier mot : le rire est permanent qui secoue comme un contrepoint musical envoyé par les spectateurs et voir des gens qui ne se prennent pas au sérieux donne encore plus de liberté à se laisser aller.

Philippe Conrath